Clip Art se ha utilizado en diversas formas desde mediados del siglo pasado. Los “Spot Illustrators” fueron contratados por publicaciones impresas, agencias de publicidad, etc., en las décadas de 1930, 1940 y 1950 y hasta la década de 1980 para crear imágenes rápidas, en blanco y negro, para acompañar anuncios, artículos, foros, cuentos y otras obras literarias que necesitaba un elemento gráfico para ayudar a atraer al lector.

El medio más antiguo y popular utilizado para crear imágenes prediseñadas fue la pluma y la tinta. Los dibujos a pluma y tinta o “Line Art” se crearon tal como su nombre lo indica, con un bolígrafo o “plumín” y un tintero lleno de tinta negra. El Artista, llamémosle “Art Guy”, sumergiría su pluma en el tintero, golpearía el exceso de tinta en el borde de la botella y, con una mano firme, comenzaría a dibujar su ilustración. Un papel común de alta calidad con un acabado liso, que a veces incluía vitela, era y sigue siendo la elección de la mayoría de los artistas. Algunos artistas prefirieron dibujar su tema con un lápiz primero para crear una “plantilla” en la cual aplicar la tinta encima.

Una vez que se completó la ilustración, se dejó secar sola. Para secar la tinta más rápidamente, algunos artistas usaron “Pounce”, que es un polvo fino rociado con moderación sobre la ilustración húmeda. Pounce Powder puede crearse usando una variedad de materiales, incluyendo arena, esteatita e incluso sal finamente molida. Pounce también es utilizado por los calígrafos.

Una vez que la ilustración estaba seca, se la entregó al operador de la cámara Stat y se la fotografió en un cuarto oscuro para crear una película a partir de la obra de arte lista para la cámara. Las imágenes en blanco y negro sombreadas o de “medio tono” podrían crearse a partir del arte completamente negro usando varios filtros de patrón de puntos y luego transferirse al papel. Usando este proceso, se podrían crear infinitas copias de la obra de arte original, al igual que las máquinas de copia electrónica inventadas muchas décadas después. Las copias en papel fueron recortadas y “cortadas a medida” en preparación para el proceso de publicación y luego “Art Guy” se dirigió a la sala de producción para hacer su genial “diseño”.

Los “diseños” se crearon combinando texto e imágenes de manera agradable y adhiriendo los diversos objetos al papel reglado. Las reglas ayudaron al artista de producción a alinear las imágenes tanto horizontal como verticalmente. Impresas con tinta azul, las reglas no se pudieron fotografiar, lo que las hace invisibles en la publicación impresa final. La adhesión del texto y las imágenes al papel regido se logró mediante el uso de una variedad de métodos. Las colas domésticas eran una opción común, pero en la década de 1940 las ceras de abejas se hicieron populares. Las máquinas de cera electrónicas se enchufaron a una toma de corriente y se dejaron calentar. Se insertaron bloques de cera de abejas en un tanque de calentamiento dentro de la máquina y el calor del tanque derritió la cera en líquido. Un mecanismo en la parte superior de la máquina permitió al usuario alimentar el clip art en un extremo “seco” y luego recuperar el arte del otro extremo “encerado”. La máquina solo enceraba un lado del papel, lo que permite al usuario fijar la imagen en el papel de diseño utilizando una herramienta de pulido y un rodillo de goma. El texto se aplicó usando el mismo proceso. El diseño completo se llevó al cuarto oscuro donde se filmó con una cámara y se creó un negativo de película. Un breve proceso posterior y el negativo de la película se convirtió en una placa “positiva” lista para la impresión offset.

A medida que avanzaba la industria de las publicaciones, los artistas gráficos y los diseñadores gráficos descubrieron que era más fácil reutilizar las imágenes preexistentes que ya habían filmado y preparado para la publicación de la semana anterior. Entonces, en lugar de dibujar las mismas ilustraciones una y otra vez, reciclaron el viejo Line Art … ¡y listo! ¡La producción de Clip Art nació y lamentablemente “Art Guy” estaba sin trabajo!

Rápidamente, las bibliotecas de Publication House se desbordaron con miles y miles de imágenes recortadas. Durante las siguientes décadas, las reservas de imágenes comenzaron a invadir los departamentos de arte en todas partes. Luego, afortunadamente a principios de la década de 1980, las computadoras personales y la “era digital” salvaron la industria. Ahora, usando un invento futurista llamado “escáner”, ¡una imagen de clip impresa podría colocarse en una bandeja de escaneo y convertirse en X y O digitales y almacenarse en el disco duro de una computadora para una fácil referencia! Para alguien que no está familiarizado con la industria, esto no suena como un avance histórico emocionante, sino hablando personalmente desde el lado del operador de la cámara del cuarto oscuro y como un ilustrador experimentado o “Art Guy” que cortó los dientes en la publicidad. A principios de los 80, los escáneres eran un regalo de Dios. El escaneo de imágenes en realidad se convirtió en un trabajo a tiempo completo en algunas compañías, y ¡pow! Así como así, “Art Guy” se convirtió en “Scanner Man!”

Pronto todos estaban usando imágenes prediseñadas y desafortunadamente Spot Illustrators y Freelance Artists (como yo), que anteriormente disfrutaban de un gran nicho de mercado, quedaron obsoletos. Cientos de casas de publicación y empresas de servicios digitales se subieron a los vagones de arte digital (e impreso). Con suerte, muchos de esos ilustradores de lugares desempleados a los que me acabo de referir encontraron un nuevo nicho, siempre que tomaran el nuevo medio informático bajo su protección. Si estaba dispuesto a renunciar a su bolígrafo y tintero e intercambiarlos por una computadora personal, tenía una buena oportunidad de salvar su sustento. De lo contrario, seguiste el camino de los dinosaurios.

A medida que pasaron los años, todo el proceso se volvió menos “práctico” y más orientado a la producción. Dejame explicar. La primera etapa de la creación de arte digital sería algo así. Un artista dibujaría una imagen usando tinta negra solamente. Él (o ella) tomaría la imagen y la colocaría boca abajo en un escáner. Usando el software de escaneo, el artista elegiría configuraciones específicas que incluyen Resolución, Escala, etc. y luego “escanearía” la imagen, creando así un archivo con formato digital. El Artista podría elegir qué formato de archivo satisfizo mejor sus necesidades para producir el producto final. Los formatos de archivo más comunes para Line Art en ese momento eran.bmp (mapa de bits) o.pic (abreviatura de formato PICtor). A medida que las fotos escaneadas se hicieron más populares como imágenes prediseñadas, los formatos de archivo como .tiff (Formato de archivo de imagen etiquetada) y.jpg (o.jpeg) se hicieron más populares. Pronto surgió la World Wide Web, creando así una gran necesidad de archivos de menor resolución que se descargaron más rápidamente y, por lo tanto, los archivos.gif (Graphics Interface Format) y.jpg se convirtieron en la norma para ese medio. Ambos formatos de archivo se consideraron archivos de trama, o más bien archivos basados ​​en una estructura de datos de matriz de puntos, y la resolución podría reducirse a 72 ppp (puntos por pulgada) y el usuario de la web todavía la muestra limpia y nítida. Y sí, ahora “Scanner Man” recibe un nuevo título de trabajo y ahora se convierte en “Production Guy”.

A medida que avanzaban los años, los archivos de vectores (o archivos basados ​​en expresiones matemáticas) cuyo popular formato de archivo.eps (abreviatura de PostScript encapsulado) se convirtió en el formato más utilizado por impresoras y casas de publicación debido al hecho de que los archivos eps podrían ser ampliada o disminuida en escala sin perder resolución o la “nitidez” de la imagen. Toda la industria giró a la izquierda. Hasta el día de hoy, los archivos .eps siguen siendo el formato de imágenes prediseñadas estándar de la industria.

Analicemos por un momento cómo se crea un archivo .eps. Al igual que la creación de un archivo.jpg o.tiff como se describió anteriormente, la línea de arte de “copia impresa” se escanea usando un software de escaneo, pero en lugar de crear un archivo con una resolución “media” de quizás 150 ppp, el artista elige la resolución más óptima posible. ¡El truco es crear un archivo ráster de alta resolución que no ocupe todo el espacio restante en su disco duro! Cuanto más grande sea el archivo, más información de datos, mejor será la calidad. He aquí por qué más información es clave. Una vez que se crea el archivo ráster, el artista importa ese archivo ráster (matriz de puntos), creado con puntos, y lo importa en un programa de conversión de archivos vectoriales que convierte ese archivo en vectores limpios y nítidos. Bam! Otro trabajo “no tan creativo” dado a “Production Guy!” ¡Pronto en las Agencias de Publicidad y Casas de Publicaciones más grandes, los artistas que una vez fueron contratados para dibujar imágenes originales, pasaron la mayor parte del día convirtiendo catálogos de imágenes impresas impresas en archivos de vectores digitales para los fanáticos de las computadoras en el departamento de arte! Al principio, el proceso para convertir algunas imágenes escaneadas en vectores podría llevar varias horas. Ahora, la mayoría de los programas de software gráfico estándar de la industria tienen herramientas de conversión de vectores “integradas” y todo el proceso se puede ejecutar en minutos o incluso segundos. Demasiado para el trabajo de “Production Guy”. Con la llegada del nuevo software de diseño gráfico, su posición también se volvió obsoleta.

Pero, no se sienta mal por “Production Guy”, en los últimos años aquellos en los campos creativos se han cansado de ver que “el mismo viejo, el mismo viejo” y “Production Guy” han cerrado el círculo. Después de haber desempeñado todos los roles que hemos discutido anteriormente, el viejo “Art Guy” (yo) y otros artistas independientes están disfrutando de un renacimiento de compañías más grandes que buscan ilustraciones modernas y modernas, ¡nos están volviendo a trabajar! Pero no se preocupe, las viejas imágenes de clip art “probadas y verdaderas” tienen su lugar asegurado en el mercado de imágenes prediseñadas “libre de regalías”. Analicemos el término “libre de regalías” a continuación.

A medida que las compañías de imágenes prediseñadas y las casas de fuentes crecieron y crecieron, descubrieron que algunas imágenes y fuentes se vendían constantemente mejor que otras. Por supuesto, el primer pensamiento que llega a cualquier verdadero empresario o empresario es: “¿Cómo hago para ganar dinero con estas imágenes” premium “? La respuesta, por supuesto, cobra un precio “premium” por esas imágenes que se venden mejor que otras. El resto de las imágenes de “imágenes prediseñadas” se convirtieron en escalones para vender los archivos de la galería premium. Los premios se colocaron en imágenes de clip art que tenían más detalles, consistían en un tema más interesante o eran más únicos y se destacaban del resto del paquete. Los archivos grandes de fondo, marco o borde con más detalles tenían un precio más alto que las ilustraciones de puntos más pequeños. Las ilustraciones de stock específicas de vacaciones con temas como Navidad, Halloween, Acción de Gracias y Pascua, junto con ilustraciones que generan una mayor demanda o interés, tenían un precio superior a las imágenes cotidianas más comunes. En pocas palabras, las compañías de ilustración de acciones crearon su propia “demanda del mercado” para literalmente cualquier imagen o conjunto de imágenes que eligieron. Durante un tiempo, este “esquema” funcionó, y hasta el día de hoy en un nivel más pequeño, todavía funciona. Aquellos con dinero siempre podrán pagar una prima. Pero, ¿qué pasa con el “pequeño hombre” que no podía pagar las primas? ¡El olor a “revolución” estaba en el aire!

Con el colapso de la economía de los Estados Unidos poco después del 11 de septiembre, las grandes casas de imágenes prediseñadas que confiaron en las costosas primas que se habían aprovechado de su leal base de clientes durante años anteriores, recibieron una paliza en el mercado y, como resultado, imágenes prediseñadas más pequeñas Las empresas comenzaron a crecer. Los ilustradores de Spot Old como yo, que habían guardado sus galerías en galerías de imágenes polvorientas de clip art, tuvieron la idea de darles competencia a las compañías más grandes de clip art al ofrecer imágenes “libres de derechos”, ¡o imágenes SIN PREMIOS! ¿Adivina qué? ¡Funcionó! Las imágenes y colecciones libres de derechos se convirtieron en la norma (nuevamente). ¡Directores de arte y diseñadores gráficos que una vez se inclinaron antes de que las grandes agencias de arte de clip despertaran y olieran el café un brewin ‘! Era hora de un cambio en la industria y el cambio había llegado. Ya no estaba atado a usar las mismas imágenes de “placa de caldera” ofrecidas por quizás cinco o seis compañías gigantes de arte. El mundo del clip art se estaba abriendo a los artistas rebeldes con sus creaciones de clip más pequeñas e infinitamente más únicas, ¡y la revolución finalmente había llegado!

Ahora “Art Guy” está de vuelta en el negocio, haciendo lo que más ama … ¡DIBUJAR! Tal vez ha cambiado su bolígrafo y tintero por una computadora personal y un mouse o tableta de dibujo, pero está contento y contento una vez más … ¡Y SOY YO!